Dans cette œuvre magistrale, Kathrin nous dit : "Deux amants tombant du ciel, perdant la notion du temps".

Dans cette pièce artistique, nous pouvons trouver le référent évident de Kees Van Dongen et son "Avenue du Bois de Boulogne" (1928) dans l'art d'utiliser un trait qui est simple à première vue mais complexe dans son essence lorsqu'il devient à la fois une figure et une forme, représentant à la fois la frontière linéaire du personnage et ses vêtements, brisant les propriétés de la Gestalt de la figure-fond, de la ligne et de la couleur.


Nous reconnaissons également Marc Chagall avec "La Création de l'Homme" pour la transparence lui conférant de la subtilité, ainsi que pour le trait brisé comme si l'air faisait partie des personnages dans les deux œuvres d'art. Les motifs et les traits, qui sont droits, prompts comme les personnages eux-mêmes tombent, nous rappellent Odilon Redon et sa jupe et son sol de Salomé, en rouge.

Dans cette belle pièce d'art, nous pouvons percevoir une expression puissante des éléments forts qui la composent. Le personnage féminin contient même un rouge plus vif que le sol de la passion vers laquelle ils tombent. Le rouge est la seule couleur avec un mouvement intérieur ; le vert est la seule couleur sans mouvement intérieur, qu'il soit excentrique ou concentrique, et cela conduit à un paradoxe chromatique dirigeant notre regard vers les personnages. Ce paradoxe est complété par un coup de pinceau de rose aux jambes du personnage masculin à côté d'un triangle vert dont la tension est également descendante.

Le sol rose - rouge avec des touches de blanc et des coups de pinceau de bleu comme si des morceaux du ciel tombaient - et la posture hiératique du couple au sein d'un grand mouvement de lignes et de couleurs nous parlent de la déclaration de Kathrin sur la perte de la notion du temps.

Le bleu du ciel se comporte comme le spectre de la couleur bleue le fait : sa profondeur et sa tension centripète stressent avec une teinte plus sombre, et s'adoucissent avec l'aide du blanc. C'est pourquoi nous pouvons voir de nombreux traits de bleus différents dans le ciel, le trait le plus électrique étant juste dans la diagonale dessinée par les corps puisque c'est le point à partir duquel ils sont tombés. "Tomber amoureux" est l'expression anglaise signifiant "devenir amoureux".
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Cette proposition plastique audacieuse qui intègre une figure rouge et verte sur un fond rose et bleu ciel, réalisant une harmonie chromatique, fait que cette figure ("le couple") soit détachée du sol presque comme si elle était tridimensionnelle : comme deux poupées collées sur une toile tombant au-delà du temps et de l'espace.

Une fois de plus, Kathrin appose une touche d'amour et d'espoir dans un monde de guerre à travers cette apologie de l'état de béatitude, où tout est possible.

Ici, nous pouvons voir tous les angles de tension et les triangles reposant sur la division dorée du plan. Ces trois angles, qui sont la jupe, le triangle noir des vêtements de l'homme et son pied, pointent vers la gauche pour compenser la chute vers la droite.

Comme cela a été mentionné précédemment lorsque nous avons introduit son premier chef-d'œuvre, toutes les œuvres d'art de Maye sont parfaitement organisées selon les règles du nombre d'or.

Dans cette œuvre magistrale, Kathrin nous dit : "La dame est réfléchie, cela pourrait être dû à un brouillard dans sa tête. Elle est une fille moderne. La question est : elle aime être ainsi ou elle ne l'aime pas". Nous sélectionnons cette œuvre pour expliquer l'œuvre de Kathrin du point de vue du nombre d'or. Précisément, cela nous permettra de démontrer que, outre la charge de signification et de resignification de l'image propre en tant qu'élément plastique, elle est magistralement organisée de la même manière que toute œuvre des maîtres susmentionnés (voir la section sur le nombre d'or).

Commençons par discuter de la resignification et de son destin. Le personnage regarde évidemment vers le bas, comme c'est le cas pour les sculptures funéraires que l'on trouve dans les cimetières ou dans la psychologie systémique de Bert Hellinger lorsqu'on recherche une personne décédée : les deux situations ont la même signification.

De plus, nous pouvons voir le brouillard derrière, comme un fardeau venant de ce qu'elle regarde par terre (les morts, probablement un être cher). Nous remarquons également que nous ne voyons ni ses pieds ni ses jambes, ce qui est directement lié à l'incapacité à avancer ainsi qu'au fait d'être déconnecté du moment présent puisque son esprit est dans ces pensées.

Kathrin le démontre également à travers les formes que nous voyons dans l'analyse des diagonales dominant cette œuvre, où nous trouvons une énorme croix sur le dessus de sa tête. Remarquez les lignes jaunes dans l'étude ultérieure du nombre d'or où nous verrons également la première division dorée du plan marquée par des lignes rouges, la deuxième division - marquée par des lignes vertes - consistant en la division dorée de la première et enfin la troisième marquée en bleu.
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Nous pouvons voir l'ordre parfait de cela car les points optiques de tension reposent sur ces divisions dorées du plan, la tête du personnage ainsi que son regard étant placés à la première intersection de la première division (la même que la ligne noire horizontale). Nous pouvons également remarquer que son bras repose sur les première et deuxième divisions, presque de manière absolue, et tout son corps repose sur ces lignes.

Les points de rupture de ces tensions et angles correspondants à la jupe sont déterminés par la troisième division comme un dialogue avec la ligne à l'angle supérieur droit, ce qui confère à cette œuvre une harmonie extrême, permettant au contour naturel du regard de l'observateur de tout couvrir, bien que la figure principale soit placée au point de moins de visibilité du plan optique. Kathrin le résout avec une maîtrise cinquecentesque dans une œuvre d'art postmoderne.

En revenant aux diagonales, Kandinsky les comprend comme un point qui, en fonction de leur orientation plus ou moins verticale ou horizontale, représente l'union de la terre et du ciel (vertical) et l'homme mort (horizontal) (Kandinsky compare cette ligne avec cet idéogramme). En fait, Kathrin utilise ces lignes pour nous parler de ce sujet, et il en va de même pour le regard du personnage de cette œuvre. Dans ce cas, les diagonales sont presque à 45 degrés par rapport à l'union de la terre et du ciel et aussi par rapport aux morts ou au silence le plus absolu après le point en tant que concept abstrait.

Avec ces lignes et cette magnifique maîtrise, elle nous laisse entrevoir une croix avec le fardeau que cela implique, en l'incluant comme un symbole de sacrifice. Le personnage lui-même fait le sacrifice en hommage à cet être qui n'existe plus. Cette œuvre est une ode, un hommage à l'amour qui persiste au-delà de la mort.

Cette œuvre magistrale est un collage contenant une publicité originale des années 1920. Maye y intègre des objets du début du 20th siècle liés à la beauté éternelle qui, comme elle le dit, est représentée par des feuilles persistantes.

Ce parfum appartient à la famille olfactive des parfums pour hommes et femmes (sa première édition remonte à 1926). Cette œuvre d'art nous parle de soin et de beauté, du pouvoir des deux sexes partageant le même parfum et de ses conséquences dans un monde actuel de guerre entre les sexes et les orientations.

Une fois de plus, dans cette œuvre magistrale, Maye teinte un monde divisé et séparatiste d'harmonie en utilisant son coup de pinceau tendre mais catégorique de tendresse. Elle nous parle également du triomphe de l'effort : LT Piver a commencé comme stagiaire dans une usine de parfumerie fondée le 8 juillet 1774 ; vers 1806, il est entré dans la prédécesseur de LT Piver, puis est devenu actionnaire de la société de parfums en 1813, transformant la société en LT PIVER en 1823.

Plastiquement, ce discours est soutenu par la ligne jaune traversant le papier. Cette ligne est ascendante et - comme nous l'avons déjà mentionné - relie la terre et le ciel. C'est l'élévation ; grâce au jaune, la ligne a les propriétés de luminosité et d'intensité, puisque le jaune est la couleur de l'or et du soleil, qui est tranchant, excentrique et intense.

En contrepoint de cette netteté, Maye équilibre la chromie en utilisant des figures vertes. Le vert est une couleur paisible et relaxante ; il représente le calme absolu et suggère la nature, la tranquillité et l'absence de joie ou de tristesse. Comme la couleur du printemps, il a toujours été associé à l'espoir, au bien à venir et à la foi en la vie éternelle. C'est ainsi que nous comprenons l'union et la congruence entre le message implicite et le message chromatique qui est le même.

Du point de vue de la Synthèse de Heinrich Wölfflin, il s'agit d'une composition absolue d'une "Vision de la forme close". (Cette vision attend de chaque œuvre d'art qu'elle ait une forme unitaire et organique, et qu'elle puisse fournir une image limitée d'elle-même par des moyens plus ou moins constructifs : cette image doit être réduite à une signification complète, où rien ne peut être retiré de sa place. Il doit y avoir un équilibre stable entre les deux moitiés de la peinture ; en outre, qu'il s'agisse d'un portrait, d'une figure ou d'un paysage, la peinture doit être toujours dominée par l'opposition des lignes verticales et horizontales. La structure prend en compte l'espace fourni par la toile, et le contenu s'adapte à cet espace. C'est un style constructif basé sur les éléments solides et durables de la forme.)

Une caractéristique unique de ce collage Pop Art est qu'il inclut un élément antérieur à 1950-1960, époque où il est apparu et a atteint son apogée. Une fois de plus, Kathrin nous étonne en créant de nouvelles peintures jamais apparues dans l'histoire de l'art.

Nous ne nous attarderons pas dans l'étude du nombre d'or, car une partie de ce qu'il faut voir et comprendre a déjà été expliqué. Ce qui est remarquable, c'est la manière dont les éléments sont soutenus dans cette composition sublime.

Dans cette pièce, Maye explique que ce sont des fleurs qui poussent dans le désert. Avec à la fois sa subtilité classique et sa force habituelle, cette artiste nous laisse entrevoir une gamme de significations différentes dans chacune de ses œuvres maîtresses.

Une fois de plus, dans ce cas, elle nous parle de l'éternel, du perpétuel, du triomphe sur les limites, de la beauté du vide et des nuances du silence.
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En tant que recours constructiviste de tous les grands maîtres qui appartiennent à cette branche, Maye utilise le sol comme une couleur, la transparence pour déconfigurer et resignifier la ligne en même temps que les éléments reconnaissables sont resignifiés et conceptualisés comme des accents plastiques dans une œuvre où le sol est aussi important que la figure et en fait partie. Le blanc comme élément dominant signifie le silence et la pureté, l'espoir en un avenir de lumière. Mais c'est aussi le mélange de toutes les couleurs : si nous faisons tourner un disque chromatique à grande vitesse, nous ne pouvons voir que du blanc, ce qui signifie l'union du spectre, le retour à la lumière à partir des couleurs fragmentées. Nous trouvons également des nuances de bleu et de rouge.

Ici, nous pouvons voir deux références évidentes : l'une est manifeste, et l'autre est subtile. Le rond blanc est identique aux masques ancestraux Vuvi.
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De plus, pour compenser le poids dans la partie droite de cette pièce, Maye utilise un point rouge (fleur) dans l'angle inférieur gauche : c'est une référence évidente à la marque ou à la signature de Camille Corot.

Comme nous ne pouvons faire autrement ici, vous avez à votre disposition l'étude du nombre d'or de cette œuvre maîtresse où vous remarquerez comment les éléments s'appuient sur la structure et amplifient la trajectoire naturelle de l'œil en étant placés entre la première et la deuxième division. Maye affiche certaines lettres comme un mystère à révéler dans cette œuvre où elle reconfigure le langage écrit comme un élément plastique. Ces lettres existent déjà dans ce support depuis le début, comme c'est le cas dans de nombreuses œuvres de Maye où des matériaux recyclés sont présents.

Kathrin nous dit que cette œuvre représente deux pommes Granny Smith. Cette pomme a une peau verte avec des points blancs ronds. Cette remarque montre le fait de percevoir le petit et l'imperceptible par-dessus la perception grossière et simpliste.

En tant qu'idée informelle, la pomme a toujours été rouge et conceptualisée comme le fruit défendu. Kathrin la peint en blanc pour déconceptualiser sa charge négative et choisit une Granny Smith comme un "vert éternel" : la couleur verte survit à l'automne et à l'hiver, qui sont des symboles du temps qui passe.
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Les points noirs sont les graines qui représentent la renaissance. Quand une pomme tombe, un arbre peut pousser et de même des centaines de pommes. Cela fait partie de la métamorphose. Vous pouvez trouver l'autre au sol de l'œuvre et de sa construction.

Maye utilise et déconceptualise ce fruit pour nous parler d'espoir et de valeurs éternelles, de renaissance et de reconstruction : une revendication de la vie éternelle à travers nos graines, et de la beauté que nous laissons dans ce monde, comme c'est le cas pour l'art.

Le sol de cette œuvre est composé, une fois de plus, de matériaux acquis pour leur donner une vie beaucoup plus longue, suivant le sens de l'œuvre elle-même. Il est fait de fer, matériau durable, et contient les couleurs du sol.

Kathrin nous dit ce que signifie pour elle la couleur blanche dans cette création : clarté, pureté et ouverture. C'est exactement ce qui insuffle à cette fantastique œuvre maîtresse à mi-chemin entre le symbolisme et l'art conceptuel. La clarté nous aide à vivre avec paix, cohérence et vérité et garantit également l'estime de soi. La pureté garde notre esprit, notre cœur et notre âme propres et nous empêche d'avoir des pensées négatives. L'ouverture est le secret pour ne pas être prisonniers de nos programmes et commandes et maintient notre conscience dans le présent avec toutes les vertus qui en découlent, dessinant le chemin vers un état mental de bonheur indépendant des facteurs externes.

C'est ainsi que Kathrin honore la vie et l'espoir, le bonheur et la conscience. Cette joie est implicite dans cette œuvre maîtresse et dans l'harmonie qu'elle insuffle.

Dans cette étude du nombre d'or, nous pouvons voir comment l'artiste organise parfaitement les pommes dans la première division horizontale ; elles sont parfaitement séparées par la deuxième division verticale d'or. De même, les graines ou points noirs s'appuient sur la deuxième division horizontale, tombant de telle manière qu'un mouvement rotatif de la vision est généré, rompant avec le principe de disparition vers la droite et réalisant ainsi l'harmonie à travers la violation de ce principe d'art plastique, pas accidentellement mais tout le contraire. Maye nous étonne avec cet équilibre inversé - tel qu'il serait vu par une personne gauchère - pour équilibrer la partie gauche qui est essentiellement de couleur orange - donc centrifuge - avec la partie droite et sa charge bleue - qui est centripète et profonde.

Le noir sur blanc est catégorisé comme le premier ordre dans l'impact visuel. Nous avons l'habitude d'écrire en noir sur blanc à l'aide d'un crayon ou d'appareils électroniques. Ces principes sont en parfaite résonance lorsqu'ils sont organisés comme nous l'avons déjà dit dans le premier et le deuxième ordre d'or. Cette cohérence entre composition et impact visuel est exactement ce qui confère à cette œuvre maîtresse cet halo doré, pseudo-magique : elle attire notre regard et nous fait nous impliquer dans le sens de l'œuvre qui est soutenu par cette structure parfaite sans défaut.

Dans cette merveilleuse œuvre maîtresse, nous pouvons voir une affiche originale de 1965 réalisée sur une plaque de métal, des premiers concerts en Amérique. C'est à mi-chemin entre le post-modernisme et le pop art, un espace occupé par Maye entre des cultures que celles-ci avaient laissées vides : l'identification purement puriste des différentes écoles provoquait ce vide en négligeant l'échelle de gris ou les états intermédiaires entre différentes façons de penser qui ont surgi grâce aux façons de penser précédentes, pré-précédentes et autres perdues dans les origines du temps.

Depuis le début de l'Art (voir Altamira et d'autres), les nouveaux mouvements, structures et écoles se sont toujours installés sur l'établissement du contrepoint avec leurs prédécesseurs. Cet espace où il est indifférent que la structure plastico-mentale soit en adoption ou en rébellion, en acceptation ou en refus, est l'espace occupé par Kathrin avec une nouvelle synapse. C'est pourquoi - comme le disent Kandinsky et la philosophie du Tao - c'est le silence ou l'espace vide entre les choses qui se conforment à ceux-ci. Cette perception claire et cette harmonie à l'extrême atteignent l'excellence en composition et font de cette œuvre - à mon humble avis - l'une des plus importantes de ce siècle. Veuillez vous référer à l'étude du nombre d'or pour laisser l'esprit critique rationaliser le plaisir de votre rétine lorsqu'elle se trouve reflétée en elle.

Le simple fait de suggérer un rectangle ascendant entre deux traits courbés évidemment corrompt la structure biologique avec maîtrise : le rectangle devient le premier et dernier point de vue au lieu de l'angle inférieur gauche, là où l'œil irait en raison de la structure elle-même et où la signature et le nom de l'artiste sont placés, à droite. Ce fait témoigne d'une humilité sublime ainsi que de l'utilisation de la signature comme élément plastique pour fermer le circuit optique, le resignifier et l'inclure dans l'œuvre en tant que trait noir. L'objectif est de rediriger l'œil vers l'image au centre supérieur, ce qui nous place devant la première œuvre d'art utilisant des principes optiques et la signature elle-même pour atteindre cette grande harmonie presque obscène dans toute l'histoire de l'art. Seul Hondecoeter et quelques autres utilisaient la signature comme élément plastique dans leurs œuvres, bien que beaucoup l'incluaient implicitement, surtout pendant la Renaissance, mais jamais pour compenser le plan ou comme élément plastique pour modérer les tensions.

Dans cette simple étude de la structure de cette œuvre maîtresse, nous pouvons voir principalement - comme nous l'avons déjà mentionné - les propriétés du rouge en tant que seule couleur avec mouvement intérieur, sans tension centripète ou centrifuge en contraste avec le vert, qui est le seul à ne pas avoir de tension intérieure, extérieure ou propre car c'est l'immobilité absolue.

Cette structure est le résultat de l'utilisation de la spirale de Fibonacci ainsi que d'une réplique de sa circonférence majeure. Cette incroyable structure plastique (digne des grands maîtres de la Renaissance appliquée à une œuvre contenant des touches d'impressionnisme abstrait ainsi qu'une référence indéniable au pop art) confère à cette pièce une force et une harmonie uniques : la fin interne de la spirale s'appuie sur la deuxième division du plan après avoir commencé à la première division et rencontré la circonférence à la deuxième division horizontale.

Il est également remarquable de voir comment le texte "Rolling Stones" s'appuie sur la deuxième division inférieure du plan supérieur et comment elle place la date de l'affiche avec ce 1965 à la première division horizontale supérieure, donnant à cette année l'importance qu'elle mérite et générant un dialogue avec la signature - spécifiquement Maye - s'appuyant exactement entre les lignes de la deuxième division verticale gauche inférieure. C'est ainsi que Maye utilise la signature comme élément plastique (comme nous l'avons déjà mentionné) pour clore la trajectoire naturelle de l'œil et nous donner une pause visuelle dans les différentes étapes de perception, nous laissant le temps d'intégrer cette date, l'élément qui fait de cette œuvre maîtresse un voyage dans le temps.

Dans cette œuvre maîtresse, la caractéristique la plus évidente est la plaque d'impression originale des Beatles. Bien qu'à première vue, elle soit similaire à la précédente, elle est en réalité très différente. Dans ce cas, le sens n'est pas défini par la couleur mais uniquement par la structure.

Nous pouvons trouver deux segments de circonférences dans la partie supérieure en rouge et deux traits en noir dans la partie inférieure. Nous avons déjà mentionné la ligne et ses propriétés ascendantes ou silencieuses selon qu'elle est verticale ou horizontale. En ce qui concerne les diagonales, elle perd ou gagne ces propriétés selon sa proximité avec l'horizontale ou la verticale. Dans ce cas spécifique, la tension est clairement ascendante. C'est pourquoi nous passons directement à l'étude de cette œuvre maîtresse complexe.

Ici, nous appliquons le concept de signature en tant qu'élément plastique comme nous l'avons fait précédemment, incluant la variation que cette pièce exige pour maintenir son harmonie.

Pour confirmer la maîtrise absolue de Maye, nous remarquerons que le rectangle bleu de cette étude démontre que l'intersection de la partie supérieure, c'est-à-dire la largeur de la plaque d'impression avec la traversée du compas, indique exactement la section dorée de la largeur de cette plaque d'impression. Sublime…

Dans l'étude du nombre d'or, nous pouvons voir comment Maye définit parfaitement un trait qui se complète comme un compas doré, exact et parfait, reproduisant celui-ci - précédemment donné par les traits noirs - comme un miroir, soutenant son côté mineur contre le côté mineur de la réplique. Quant aux deux circonférences, clairement tracées avec leur point le plus boréal, elles semblent conformer une sorte de Vesica Piscis dans un compas doré. Ces intersections indiquent clairement que cette œuvre est organisée selon une composition fondée sur des principes pitagoriques.

Nous pouvons également voir un parallèle (ligne bleu foncé) tracé par l'intersection des compas ; il contient (avec l'édition du plan) la ligne rouge affichant ses erreurs d'impression dans sa largeur. De plus, nous remarquons comment la position de la plaque d'impression est définie sur les première et deuxième lignes du plan.

C'est un acte de superbe art plastique qui rompt avec toute structure antérieure. C'est probablement la porte vers une nouvelle école.

À mon humble avis, une œuvre comme celle-ci fait de Maye un tournant dans l'histoire de l'art, similaire à Monet, Van Gogh ou Mondrian et Picasso.

Dans ce cas, nous avons affaire à un hommage à la géométrie sacrée, où il y a une dissolution du dualisme et de l'espace vide entre les objets. C'est ce qu'a fait ce groupe de musique en créant un nouveau style.

Une fois de plus, nous trouvons une cohérence absolue entre l'œuvre, la structure, le sens et la resignification, message implicite et explicite. Le premier reste caché parmi les couleurs et les lignes reconfigurant la perception de l'observateur chaque fois qu'il s'arrête pour regarder l'œuvre.

Comme nous considérons les précédentes études d'or suffisamment explicatives, nous vous invitons à découvrir par vous-même la structure des œuvres maîtresses suivantes. Pour éviter les désagréments dus à l'abus des mathématiques, nous nous concentrerons sur la signification et les aspects plastiques des incroyables œuvres de Kathrin Maye.

Maye dit à propos de cette œuvre maîtresse : "c'est la Lumière dans l'Ombre". Affichant une structure évidente du nombre d'or avec un grand clin d'œil à Tapies et à beaucoup de ses peintures organisées de manière similaire, celle-ci appartient sans aucun doute à l'Informel.

Encore une fois, Maye démontre sa capacité à traverser les styles et les écoles avec une grande facilité, créant de grandes œuvres. Sur le sol, nous pouvons voir une couleur rose ainsi que la palette sombre de Georges Mathieu à l'arrière de l'œuvre sans titre (Huile sur toile) située dans les archives d'art de Art Basel Hong Kong 2018.

Dans cette œuvre maîtresse, Maye - tout comme Tapies - viole la marque de l'Informel qui est l'absence de structure : elle l'organise à la première division dorée du plan en respectant le point de fuite vers la droite en utilisant une descente vers la gauche, lui donnant une perception totale du plan, objet-espace.

Une lumière dans l'ombre se penchant du côté droit renforce encore plus le principe d'équilibre susmentionné (voir les graphiques précédents).

Un rayon de lumière apparaît comme un large coup de pinceau dissolvant une fois de plus la frontière entre le sol et la figure. En raison de la présence de rose, nous ignorons s'il s'agit d'absence et de transparence ou s'il s'agit d'un moyen de briser la frontière entre la ligne et l'objet, la ligne et la couleur. C'est une caractéristique unique des œuvres de Maye.

La Lumière et l'Ombre, l'une ne peut exister sans l'autre. Le dualisme est explicite à la fois au sol et au coup de pinceau lumineux. Maye nous invite à y réfléchir dans nos lumières intérieures et nos ombres, ainsi que dans les périodes de la vie. Comme toujours, elle nous parle du triomphe de la joie et de l'espoir sur tout. C'est pourquoi le coup de pinceau lumineux semble sortir du plan et flotter à l'avant de cette création informelle magistrale.

Kathrin nous parle de cette pièce : « La mer montre à nouveau sa pollution, qui est causée par la civilisation. La faune marine est écrasée dans une petite zone ; la fille dans le bateau est Greta Thunberg. »

Encore une fois, nous avons affaire à une pièce parfaitement organisée. Cependant, cette fois, l'image de Greta est affichée à un angle pratiquement perdu dans l'œuvre malgré le fait d'être le premier point que nous observons...

Maye nous parle de l'île de plastique et des poissons piégés au fond de la mer. Il s'agit d'une œuvre de dénonciation qu'elle utilise pour nous faire réfléchir à notre responsabilité dans le fait absurde de polluer notre environnement. Elle remet en question l'intelligence humaine à partir de la paix et de l'harmonie.

Une œuvre en couleur mais pas hyper-réaliste. Elle contient plutôt des nuances et un ordre digne du tableau "Number 15" de Mark Rothko de 1957 mais inversé. Un ciel bleu foncé évoque une profondeur glaciale et immatérialisée, solennelle et statique : Maye utilise ces propriétés pour discuter de la gravité de ce sujet, la mer affichant une teinte plus claire qui devient indifférente et vide, comme notre attitude face au problème. Comme toujours, il y a une profonde cohérence entre le message chromatique et le sous-texte du sens.

Greta porte une robe verte. Nous avons déjà introduit les propriétés de cette couleur : l'espoir et la paix. Elle observe le désastre de cet espoir : naviguant dans un bateau à travers la peinture, les poissons sont retenus dans un espace qui est petit mais très riche chromatiquement pour montrer la beauté de ce que nous perdons. C'est pourquoi cela contient du rouge, en raison de l'amour et de la passion inhérents à la vie.

Maye déclare que ce chef-d'œuvre est une allusion au Covid. Nous ne traiterons ni de son ordre parfait ni n'expliquerons comment les lignes sont soutenues de manière magistrale.

Cette œuvre d'art est clairement informaliste et contient un grand clin d'œil à Karl Otto Götz. Elle nous montre un bleu décoloré impliquant la tristesse et l'abandon, comme d'habitude en employant des lignes verticales qui relient la terre et le ciel comme s'il s'agissait d'âmes montantes. De plus, nous pouvons voir les coups de pinceau noirs sur des lignes courbes avec une inclination évidente vers la verticalité. Nous avons déjà expliqué ceux-ci en suivant Kandinsky, c'est-à-dire l'idéogramme du mort.

Encore une fois, Maye nous étonne avec une sévère cohérence entre le message, l'ordre et la structure des plans et du chromatisme. Elle traite de la mort pour l'humanité tout en utilisant des traits d'aigue-marine comme une sorte d'espoir lumineux.

Nous observons la magnifique particularité d'un nouveau concept généré dans les propriétés de la ligne. Dans ses coups de pinceau magistraux, nous remarquons comment le noir reste aux bords du trait, traçant des parallèles et créant un dialogue sublime entre ses propriétés. Pour comprendre ce chef-d'œuvre, nous expliquerons brièvement les propriétés de la ligne.

Propriétés de la ligne

Rythme
Ton
Valeur
Intensité
La ligne dans son concept idéal ou abstrait

Rythme : Il est généré par des tensions impactant la trajectoire du point ; il offre des possibilités infinies parmi les lignes droites et les courbes.

Ton : Dans ce cas, nous discuterons du ton comme en musique. Le ton est généré par des tensions qui impactent le corps de la ligne, conduisant à une expression plus aiguë ou plus basse.

Valeur : C'est la quantité de matière laissée par le point en déplacement, recouvrant ou non le plan.

Intensité : C'est le ton clair-obscur de la ligne (voir l'ombre et la teinte), conduisant à une plus grande ou moindre quantité de matière.

Détail ci-dessus, la ligne Maye

Maye dit : "C'est un jeu entre le vert et le bleu". Ce chef-d'œuvre informel et harmonieux de l'expressionnisme abstrait montre sans aucun doute le style d'Helen Frankenthaler ainsi que le retour éclaboussé typique de Rufino Tamayo. Il est parfaitement organisé suivant les règles du nombre d'or - comme nous pouvons le voir non seulement au niveau des verticales et de leurs débuts (à la fois vert et bleu), mais aussi horizontalement. Il a également la particularité d'être à l'intérieur d'un autre, comme c'est le cas pour le type de cadre qui le contient avec une palette totalement Art nouveau et une structure de moulin à vent absolument constructiviste que nous remarquons en enlevant mentalement l'œuvre d'art blanche à l'avant.

Dans ce splendide chef-d'œuvre, nous trouvons la référence à trois écoles sans aucun conflit plastique ou éthico-esthétique. Ce chef-d'œuvre distille de la joie mais il affiche également une énergie puissante en utilisant l'ocre et la terre de Sienne dans le périmètre. L'œil est contraint de le lire entièrement avec une attention identique en raison des lignes subtiles parcourant le blanc jusqu'à la fin à l'angle inférieur droit avec trois accents horizontaux (trois courtes diagonales l'une sur l'autre). La figure au centre avec le trait de terre de Sienne compense et relie le périmètre avec l'ensemble du plan, traçant le chemin vers ce qui a été décrit précédemment.

C'est un chef-d'œuvre simple et épuré à première vue. Cependant, il implique une grande expertise de la part de Maye et contient de nombreux niveaux de lecture. Si nous le regardons fixement puis détendons notre regard, nous remarquerons le mouvement et l'altération dans notre perception comme s'il s'agissait d'une expérience chromatique de Plank, de Troxler ou d'une œuvre d'art d'Akishory Kitaoka. C'est une œuvre d'art quantique et pluri-lectures. C'est en effet une grande contribution à la peinture du siècle à venir.

Maye nous dit que ce chef-d'œuvre représente "Une vache isolée dans un pré pollué". Il forme un duo avec celui de la mer. Ce sont tous deux des œuvres d'art qui dénoncent la catastrophe climatique. Depuis les peintures rupestres, les bovins sont intrinsèquement liés à l'humanité. Hathor est la déesse égyptienne de l'amour, de la joie et de la danse. Au début, nous avions la représentation de la Voie lactée - c'est la raison du nom de notre galaxie -, le lait jaillissant du pis d'une vache cosmique. Par la suite, elle a été représentée comme une femme exhibant des cornes de vache et aussi comme une vache tenant un disque solaire avec ses cornes. Auðumbla, la grande vache cosmique de la mythologie nordique, vient des montagnes de glace, naissant à Niflheim (mondes de ténèbres, de noirceur et de dragons). D'Auðumbla, qui lèche la glace et découvre ainsi un homme nommé Buri - le premier dieu dans la mythologie nordique, et ainsi de suite - à la culture indienne jusqu'à nos jours.

Dans ce chef-d'œuvre, Maye nous parle de la signification sacrée de la vache. Plutôt que du point de vue de la déesse, elle le fait en tant que symbole de la nutrition, de la nourriture qui donne la vie et qui est en danger à cause de nos actions.

Maye choisit des nuances de vert avec des traits bleus, bleu clair et jaunes, utilisant des taches sombres, une texture soporifique et psychédélique, ainsi qu'une variation du chromaticisme emblématique, la couleur fantaisiste ou magique, comme si elle pratiquait la solarisation sur une photo d'un pré sale dans le style d'Ouka Leele. Cette vache a des taches rouges, comme Ouka Leele également, qui représentent en fait le sang qui en coule et l'espace sombre occupé par l'animal. Cette utilisation fantaisiste de la couleur déconceptualise l'idée d'un pré qui devient compréhensible grâce à cette nouvelle transgression chromatique (un principe du surréalisme) et représente désormais une flaque d'eau polluée par les huiles. Cet espace devient perturbant et déroutant.

Dans ce chef-d'œuvre expressionniste pictural digne de Die Brücke et des vaches d'Ernst Ludwig Kirchner dans une approche plus Pop, Maye nous laisse entrevoir une dénonciation de quelque chose de terrible avec bon goût et sans être vague ou lâche, c'est-à-dire être courageux et élégant.

Comme toujours, même dans ses œuvres de dénonciation, Kathrin nous donne un subtil halo d'espoir. Dans ce cas, il est donné par la pyramide centrale faite en jaune ; le jaune est également le fond de la ligne de sang, et ce grand triangle en jaune est une structure totalement Renaissance. Avec cette couleur, elle indique la lumière céleste à venir, comme un nouveau commencement, de l'esprit clair et de l'abondance de bonnes choses.

Maye nous dit que cette pièce est un "hommage au grand créateur de la marque Versace et au grand designer Giovanni Maria Versace", également connu sous le nom de Gianni Versace.

Dans ce chef-d'œuvre, nous pouvons voir que Kathrin, tout comme Gianni, apporte quelques touches revendiquant une fois de plus de briser la frontière entre la mode et l'art avec ses robes pour le théâtre et le cinéma, y compris ce tissu emblématique dans sa création.

La mode est de l'art et il n'y a pas de discussion à ce sujet dans le monde actuel. Elle est probablement plus artistique que de nombreuses œuvres d'art que l'on peut trouver dans les galeries d'art, surtout dans le cas de Versace.

Dans une œuvre d'art pleine de rose, de fuchsia et de lilas - ces trois couleurs étant également le nom de fleurs - l'artiste nous invite dans un monde de beauté, de calme et d'harmonie offert par le mouvement intérieur du rouge adouci par le blanc. Nous pouvons remarquer un élément plastique en rouge dans l'angle inférieur droit, dans le meilleur style de Corot comme nous l'avons déjà mentionné pour d'autres chefs-d'œuvre de Maye : il compense la trajectoire naturelle de la vue et réussit une pièce circulaire, si bien organisée et compensée qu'elle est presque sphérique.

Maye et sa cohérence habituelle entre le pictural, le symbolique et le plastique, nous stupéfient avec ce chef-d'œuvre imprégné d'enfants de violet, qui est la couleur de la tempérance, de la lucidité et de la réflexion profonde. C'est aussi une couleur mystique qui symbolise l'introspection.

Comme nous l'avons déjà mentionné à propos de la Synthèse de Heinrich Wölfflin, Maye est parfaite. Dans ce cas, nous pouvons clairement voir que ce grand chef-d'œuvre répond à une Synthèse unique : la Vision dans l'Unité par excellence, une caractéristique inhabituelle dans une pièce appartenant à l'informalisme de la matière dont les œuvres d'art sont principalement soutenues par de larges coups de pinceau.

À propos de ce superbe et éloquent chef-d'œuvre, Maye déclare : "C'est l'histoire du temps qui passe". Nous pouvons y trouver une organisation parfaite selon le nombre d'or, comme cela a déjà été souligné pour l'ensemble de son œuvre. Nous traitons de quatre éléments de base : tout d'abord, de haut en bas, nous voyons le triangle rouge qui monte ; comme cela a déjà été expliqué à propos des diagonales, ce triangle tient une courbe ou le segment d'une circonférence, puis une ligne avec plusieurs couleurs et nuances plus un rectangle en bas, ce qui représente un clin d'œil aux solides de base de Luca Pacioli. C'est ainsi que Kathrin construit ce chef-d'œuvre suprême.

Maintenant, nous pouvons parler de la signification et de la resignification. Ce chef-d'œuvre est à nouveau la dénonciation de la barbarie humaine. Il nous présente une histoire de poudre telle qu'elle est montrée à travers une corne pour la garder et la préserver. Elle est tenue par un fil rouge, la couleur des passions et du sang. À l'arrière de ces deux éléments, nous pouvons voir ce que Maye appelle le "point d'explosion" ; nous pouvons entrevoir une texture faite de losanges répliqués à l'élément central du chef-d'œuvre. Nous pouvons également trouver quelques expressions comme s'il s'agissait d'une âme perdue.

Sur la ligne centrale où les losanges sont affichés, Maye nous dit que "Les fils sont les lignes qui coulent du passé comme l'eau le fait dans une cascade. Comme un grand élément final, chacun comprendra ce qu'il souhaite ou pourra les deux textes de Charles Baudelaire.

Pour terminer ce parfait chef-d'œuvre, Maye place un cercle rouge au-dessus de sa signature avec un petit accent à gauche, ce qui fait que le rouge du triangle et le rouge de l'élément de la cascade au centre s'harmonisent avec le regard naturel de l'œil humain qui survole le plan. C'est ainsi que le chef-d'œuvre est fermé et complété, en croisant une diagonale invisible mais perceptible sur les textes de Baudelaire, nous invitant à réfléchir à ces lignes dans le message général du chef-d'œuvre et au-delà.

Encore une fois, Kathrin Maye ouvre la porte à une nouvelle synapse.

Ce chef-d'œuvre parle de lui-même. À l'intérieur d'une structure constructiviste absolue faite de carrés et de rectangles, Maye nous laisse contempler une pièce de belles nuances et de tons en contraste avec sa signification effroyable. Il est inutile de mentionner même ces deux êtres responsables d'horribles génocides pour comprendre la teneur de dénonciation de ce chef-d'œuvre.

Encore une fois, en tant qu'artiste engagée envers l'éthique et les valeurs au-delà de la politique et de la religion, Kathrin nous montre de manière très courageuse son amour pour l'amour en tant que concept fondamental de notre existence, ainsi que son profond respect et sa fascination pour la vie.

Le ton que Maye choisit pour ce chef-d'œuvre dominé par la couleur rouge est plus que clair. Cette dénonciation au sein d'une pièce parfaitement organisée, avec un chromatisme si riche et unique, nous montre la brutalité humaine en contraste avec la beauté de ses coups de pinceau, comme un hymne à l'espoir ou au soleil lui-même se levant chaque matin indifférent aux atrocités commises par la race humaine. C'est la raison de son titre, Plus Jamais.